Olga Bettas. Double Speech

Double speech
Graduate Jacqueline Lacasa.


Olga Betta´s work is committed to project a field of action, where the creation prioritizes the signs of impunity of the violence in the current society. Although this violence is presented in not always visible dimensions, it is the socially accepted code the one that acts through implicit or explicit agreements.
The artist breaks through in the middle of the drunkenness and the anesthesia of the senses, manufactures a daydream world, both complex and daring, provoking a critical interpretation of the immediate memory of the social collective in reference to the naturalization of the violence as a mechanism that leads to silence and apparent control of the situations.
And it is at this stage where the meticulous creation of each object produced by Bettas configures a fold in the weave that allows us to face a particular journey. When the spectator enters the room he can contemplate the split that is projected towards both sides of the place. Although the journey is not straight the space is determined by the contrast between the two hemispheres of this world.
“Double speech” is the name of this exhibition in which the artist´s investigation throws itself into evidencing the duality of beauty and violence.

The battle field

In this place a threshold of fight is presented, populated by objects which have been deprived of their natural sense and that are created to offend the sign of violence. An English style chair in the garden raises intervened in a meticulous way, its embroidered legs carry fantasy gems, even the velvet and lace seat lets the light act as an identificatory element of a rose zone, a sexless bulge, as a trace from which an attachment of brocade is expanded and fragmented in a spider web of tiny crystals. As a member of this force field the chair is boosted as an object of art that reports the desire for the beautiful, delicate and suggestive and yet of a short lifetime, symbolically the invitation to reach relief and restraint is produced in spite of the fact that it becomes a space without practical use, shallow and dangerous, like a place of power that does not reach its primal objective.

A small oval mirror close to this element seems to imprison time, it pretends to be the movement of the one who speculates with his own image when he looks into it and refers to Narcissus myth, that one of unbeatable beauty that ends up falling in love with his own image although here, it can result in a deeper role as Narcissus is fruit of a violent and abusive relationship perpetrated by god Cefiso when he kidnaps young nayade Liriope.
This information adds another detail to the speech that the artist works on in this exhibition, since the power joins the violence and the abuses from which they are deduced.

To dress the bride

In the journey generated by the installation we notice two different planes: the beauty and the violence, therefore the place is populated by volumetric phallic and erotic shapes, while in trims and flounces the feminine and the wound that has been sewed up or limited in its bleeding are highlighted. Among them one object stands out with the shape of breasts which shows pointy nipples and saturated outlines hang like a metaphor about Psychoanalyst Melanie Klein´s theory. These nipples and tutu are part of the symbolic violence that the individual has to live through in his process of socialization, facing what Klein has defined as objects which the baby internalizes as pulsions that are the quantum of libido energy and that constitute his psychic apparatus and his functioning with the world. The mother´s breast is therefore the prime object, what the psychoanalyst theory considers as a “good” breast and as a “bad” breast which operate in the children´s world as a source of pleasure-displeasure. These volumes turned into pieces or art objects, in the eyes of the spectator present themselves as harmless and satirized, the breasts seem to have been part of an indulgent game between the chair as a work emptied of its utility, the fragmented image in the mirror and the breasts and tutu that we remember as “the vehement desire, impulsive and insatiable and that exceeds what an individual needs and what the object is capable of and is willing to give”. In the unconscious level of this voracity it is to empty entirely, suck till it is dry and devour the breast. It is precisely that concept in which the artist stops and generates a daydream place of the objects of desire, the figure of a girlfriend-cow, made of bras put one on top of the other, it constitutes the image of an animal whose udder hang as if they were split from the bovine´s face, that with white roses and lace edging seem to generate a magic aura of purity and fertility in contrast to the search of the static and the empty in reference to other works.

The artist adds the dual perception of beauty and violence through the corset, as an item that is linked to the capability of moderating the silhouette, to embellish or redefine its outlines, it is an item that is also used in medical treatments and it is, for many, a sexual fetish.
The corset made by the artist, floats in the air and the existence of that body and as matter that disappears in which place Olga Bettas intervenes the lightness of the emptiness, placing gravel weight that decorates the corset satin, giving short margins between stone and stone, until the silver thread weave is completed over the red satin fire. The corset is also an element of exercise of power and violence for the body.

In these elements the demarcation of violence is evidenced as an act plausible of interpretation and immediate corroborating. Olga Bettas makes her work show the mechanisms of fear within the ideological apparatus of the daily life and the human relations in the dominated-domineering fold. And it is in these folds that accumulate power, violence and condescension where the human levels of irrationality become visible.

Violence is to lie

How many times does the stone hit? In which way is the body emptied not to function and mute in an accomplice silence? How do we overcome the frightening anguish that provokes the psychological mutilation or physical violence? From what place is freedom to live a full sexuality, apart from sexual options, still condemned?
Each of these questions is present in the duality trampled on by a bull's figure whose testicles are placed over its horns, symbol of masculinity, of sexual power and control of the situation. The red of the blood spilt becomes, as Narcissus, a beautiful and foul flower, volumes that are expanded with useless strings, more than just the shallow appearance of the phallic as a representation of the power, hangs from the ceiling. Along these line, in “Andrógina”(Androgynous) we can observe the feminine underwear, embroidered and elaborated to the limit, revealing in the black and transparent weave the presence of a masculine limb.
In this battle field seemingly split, where every agent has its clearly defined and socially accepted role, the weave of the emptiness is revealed in the violence of the physical and psychological imposition, both in the domestic environment and in the public life, a face of this duality that in spite of being wrapped in lace and silk, does nothing but reveal itself in all its splendor, accounting for the double speech: the more beautiful the more violent.

Love, guilt and reparation

Three objects give closure to a way to flow through the imaginary of the love, guilt and reparation circuit, love is witness of the possibility of seeing beyond, finding an object where the pulsion becomes pleasure. The feeling of guilt is established in the victim and helps with the manipulation of its victimizer, and fear for reporting seems to stay trapped in the daydream of one being the cause, of being guilty of our own aggression and of deserving it. Finally, most of the times, silence raises, it is fertilized by entire generations that burden the feeling of emptiness or the symbolic or real disappearance, in one word, by their own death.
In Uruguay domestic and sexual violence demand work from all fields of action, they therefore demand, a change in the behaviors of silence and complicity. This cannot be a justification based on the social classes to which they belong. On the contrary, it must be a community agreement that starts establishing from the models that socialize to the groups in general.
Art can help once again establish these channels in order to question the double speech about these topics. Olga Betta establishes a way to operate through her point of view as a woman, mother and artist, attached to a generation that was part of a change in the place of women in our society, who now has gained a special multifaceted prominence in daily life.
The artist establishes with her objects the creation of worlds, her contemporary time is intensely lived, she generates a commitment beyond the silver pearl curtain, which works as a repressive wall in the real world, turns into action the power of work of art speech, creates a particular world, fragmented, sexual and childish. Freedom seems to function most of times as the Talion law: “an eye for an eye and a tooth for a tooth”, where the reparation in psychoanalytic terms seem to be the source that determines that law, that is to say being able to reconstruct the damaged object through the retake of desire as the engine to accomplish the creative strategies that exceeds the immediate action, that “acting out” that operates as impossibility of dialogue due to the immediate desire to take control over Another One.
To organize time and senses while listening very carefully to your thoughts in the contemplation of each work of “Double speech”, can produce a critical space that brings out a reaction against the possibility to transgress what it is established as the logic of the daily violence.








Doble discurso
Lic. Jacqueline Lacasa

Hay un compromiso en la obra de Olga Bettas en proyectar un campo de acción, donde la creación prioriza la manifestación de la impunidad de la violencia en la sociedad actual. Si bien esta violencia se presenta en dimensiones no siempre visibles, son los códigos sociales aceptados los que actúan a través de acuerdos explícitos o implícitos.
La artista se abre camino en medio de la embriaguez o anestesia de los sentidos, fabrica un mundo de ensueño, complejo y audaz, provocando una lectura crítica a la memoria inmediata del colectivo social, con respecto a la naturalización de la violencia como mecanismo que lleva al silencio y al aparente dominio de las situaciones.
Y es en este punto en que la minuciosa creación de cada objeto realizado por Bettas configura un pliegue en la trama, que permite enfrentarnos a un recorrido particular. Cuando el espectador accede a la sala puede contemplar la escisión que se proyecta en ambos sectores del espacio. Si bien el recorrido no es lineal, el mismo se ve determinado por el contraste entre los dos hemisferios de este mundo.
“Doble discurso” es el nombre de esta muestra en la que la investigación de la artista se vuelca a poner de manifiesto la dualidad de la belleza y la violencia.


El terreno de batalla

En este espacio de presenta un umbral de lucha, poblado por objetos que han visto desplazado su sentido natural y que denotan el signo de la violencia. Una silla de jardín de hierro se yergue intervenida de manera meticulosa, sus patas bordadas llevan pedrería de fantasía, el asiento de algodón y seda deja que la luz actúe como elemento identificatorio de una zona rosa, una protuberancia asexuada, como una huella cuya adherencia como de brocato, se expande y se fragmenta hacia el espaldar rodeada por una tela de araña de pequeños cristales. Como integrante de este campo de fuerzas, la silla se potencia como objeto de arte que denuncia el deseo por lo bello, delicado y sugerente, pero de una vida útil escasa, simbólicamente se produce la invitación a alcanzar el descanso y contención pero, sin embargo, se convierte en un espacio sin uso práctico, superficial y peligroso, como un lugar de poder que no alcanza su objetivo primordial.
Cercano a este elemento un espejo oval de pequeño formato, parece aprisionar el tiempo, pretende ser el movimiento de quien especula con su propia imagen al mirarse y remite al mito de Narciso, aquel ser de inigualable belleza que termina enamorándose de su propia imagen, lo que aquí puede tener un sentido más profundo, pues Narciso es fruto de una relación de violencia y abuso sexual perpetrada por el dios Cefiso cuando rapta a la joven Liríope.
Esta información agrega un detalle más al discurso sobre el que trabaja la artista, ya que al poder se une la violencia y los abusos que de aquélla se desprenden.

Vestir la novia

En el recorrido generado por la instalación se distinguen dos planos: el de la belleza y el de la violencia, es así que el espacio se puebla de formas volumétricas fálicas y eróticas, mientras que en ribetes y volados se pone de manifiesto lo femenino y la herida que ha sido suturada o limitada en su derrame. Entre ellas sobresale un objeto con forma de mamas cuyos pezones puntiagudos y contornos suturados penden como una metáfora sobre la teoría de la psicoanalista Melanie Klein. Estos pezones con tutú forman parte de la violencia simbólica que tiene que vivir el individuo en su proceso de socialización enfrentado, a lo que Klein definió como objetos que el bebé va internalizando en pulsiones que son quantum de energía libidinal y que van constituyendo su aparato psíquico y su funcionamiento con el mundo. El pecho de la madre es en este sentido el primer objeto, lo que la teoría de la psicoanalista se plantea como un pecho “bueno” y un pecho “malo” que operan en el mundo infantil como fuente de placer - displacer.
Estos volúmenes convertidos en piezas u objetos de arte, a los ojos del espectador se presentan inofensivos y satirizados, las mamas parecen haber formado parte de un complaciente juego entre la silla como obra vaciada de su utilidad, la imagen fragmentada en el espejo y las mamas con tutú que nos recuerdan como “la voracidad es un deseo vehemente, impetuoso e insaciable y que excede lo que el sujeto necesita y lo que el objeto es capaz y está dispuesto a dar. En el nivel inconsciente de esta voracidad es vaciar por completo, chupar hasta secar y devorar el pecho”. Y es justo en este concepto en el que se detiene la artista y genera un espacio de ensoñación de los objetos de deseo, la figura de una vaca-novia, realizada con soutiens superpuestos uno a uno, configuran la imagen del animal cuyas ubres cuelgan como escindidas del rostro vacuno, que con rosas blancas y puntillas parece generar una aura mágica de pureza y fecundidad, en contraste con la búsqueda de lo estático y vacío con respecto a las otras obras.
La artista adiciona la percepción dual de la belleza y la violencia a través del corsé, como prenda que se vincula con la capacidad de modelar la silueta para embellecerla o distinguir sus líneas, es una prenda que se usa también para tratamientos médicos y es visto por muchos como un fetiche sexual.
El corsé realizado por la artista, flota en el aire y la existencia de ese cuerpo como materia desaparece y en su lugar Olga Bettas interviene la liviandad del vacío, colocando el peso del pedregullo que adorna el satinado del corsé, dando márgenes cortos entre piedra y piedra, hasta completar la trama de hilos de plata sobre rojo fuego satinado. El corsé es también un elemento de ejercicio de poder y de violencia sobre el cuerpo.

En estos elementos se evidencia la demarcación de la violencia como acto plausible de ser leído y corroborado inmediatamente. Olga Bettas hace que su obra ponga de manifiesto los mecanismos del miedo dentro del aparato ideológico de la vida cotidiana y de las relaciones humanas en el pliegue de dominadores-dominados. Y es en esos pliegues, que van acumulando su potencia, violencia y condescendencia, donde los grados humanos de irracionalidad se hacen también visibles.

Violencia es mentir

¿Cuántas veces la piedra golpea? ¿De qué forma se vacía el cuerpo para no accionar y enmudecer en un silencio cómplice? ¿Cómo sobrevivir a la angustia aterradora que provoca la mutilación psicológica o la violencia física? ¿Desde qué lugar se sigue condenando la libertad a vivir una sexualidad plena, independiente de la opción sexual?
Todos estos cuestionamientos están presentes en la dualidad avasallada por la figura de un toro cuyos testículos son colocados sobre los cuernos, símbolo de masculinidad, de poderío sexual y predominio de la situación. El rojo de la sangre derramada que se convierte como Narciso en una flor hermosa y pestilente, volúmenes que se expanden con cuerdas sin utilidad, más que la superficial apariencia de lo fálico como representación del poder, pende del techo. En esta línea, en la obra “Andrógina” puede observarse la ropa interior femenina bordada y trabajada hasta el límite, revelando en la trama negra y transparente la presencia de un miembro masculino.
En este campo de batalla aparentemente escindido, donde cada agente tiene su rol claramente identificado y socialmente aceptado, se revela la trama del vacío en la violencia de la imposición física o psicológica, tanto en el ámbito doméstico como en la vida pública, una faceta de esta dualidad que a pesar de estar envuelta en encaje y seda no hace más que revelarse en todo su esplendor, dando cuenta del doble discurso: cuanto más bello, más violento.

Amor, culpa y reparación.

Tres objetos cierran una forma de recorrer el imaginario de este circuito de amor, culpa y reparación, el amor es testigo de la posibilidad de ver más allá, de encontrar un objeto en donde la pulsión devenga en placer. El sentimiento de culpa se instaura en la victima y colabora con la manipulación de su victimario y el miedo a denunciar parece quedar atrapado en el ensueño de ser causante, de ser culpable de su propia agresión y de merecerla. Por último, la más de las veces, el silencio se enaltece, es fecundado por generaciones enteras que cargan con el sentimiento de vacío o con la desaparición simbólica o real en definitiva con su propia muerte.
En Uruguay la violencia doméstica y la violencia sexual exigen un trabajo desde todos los campos de acción posible, exigen por lo tanto, una modificación de las conductas del silencio y la complicidad, esto no puede ser una justificación dependiendo de la clase social a la que se pertenezca, debe ser un acuerdo comunitario que se vaya estableciendo a partir de los modelos que socializan a los grupos en general. Desde el arte pueden establecerse una vez más esos canales que pongan de manifiesto el doble discurso sobre estos temas. Olga Bettas establece una forma de operar a través de su visión como mujer, madre y artista, ligada a una generación que formó parte de una modificación del lugar de la mujer en nuestra sociedad, que ha pasado a tener un protagonismo multifacético en su cotidianeidad.
La artista establece con sus objetos la formación de mundos, su contemporaneidad es vivida intensamente, genera un compromiso más allá de la cortina de perlas de plata que funciona como tabique represivo en el mundo real, pone en acción el poder del discurso de la obra de arte, crea un mundo particular, fragmentado, sexual y pueril. La libertad parece funcionar la más de las veces como la ley de Talión: “ojo por ojo, diente por diente”, donde la reparación en términos psicoanalíticos parece ser la fuente que dirima esta ley, es decir la de tener la capacidad de reconstruir el objeto dañado a través de la recuperación del deseo como motor para lograr estrategias creativas que superen la acción inmediata, ese “acting out”, que opera como imposibilidad de dialogo por el deseo inmediato de control sobre Otro.
Organizar el tiempo y los sentidos haciendo una escucha atenta de los pensamientos provocados al contemplar con detenimiento cada obra en “Doble discurso”, puede generar un espacio crítico que ponga de manifiesto una reacción frente a la posibilidad de transgredir lo que se establece como lógica de la violencia cotidiana.

PROJECT PARACHUTES/ Sergio Porro

PROJECT
“PARACHUTES”

“The globalization is a devaluated universalism”
The series in which I have been working for almost two years reinforces a stage in my personal investigation related with the image and the mimicry. Mimicry is the imitation of nature in classic art and it is connected with the seizure of the reality. According to the antique greek it is the essential principle to generate knoledge. Classic art is the official paradigm of the occidental civilization, it is the summit of the balance between the mathematical perfection in the exact representation of the nature and objects, reaching the top in the representation of the human body. It is also the triumph of the racionalism and inspiration, nature was imitated in an exact way regarding proportions and measures, above all in what has to do with with the human figure, the lifelike image was equivalent to the original, from there its power of fascination. The artist was in conexion with the gods, the divine inspiration is not opposed to reason but it complements it. Mimicry is then, an “approach” to reality in relation to the generation ok knowledge. But neither any more it is the nature nor the “reality” the prime matter but images created by others, that is a devaluated mimicry as a methaphore of the emptyness of meaning and the death of God, such as Nietzsche had predicted in the nineteenth century. One of the problems or matters suggested by the concept of mimicry is the relationship between art and “reality”, the dissolution of the frontiers between the different artistic languages is an attempt of approaching or “seizure” of the reality. An attempt to escape the representation, an attempt to reintegrate the fragmented reality.

Working through antagonisms.
I have been working for some time using manga and Japanese anime images almost exclusively, for their seductive visual power and for their global and mass nature, and also for understanding that these images by themselves already handle a recurrent element in my work: the antigonic among the sublime, the impure, the beautiful, the evil. The japanese anime characters have a declared sexuality and they mix up the seduction of the purity and the virginal, representing through the childlike, with an adult erotism. Anime, manga, hentai, cosplay are all subcultural expressions that I take to methaphorize those antagonisms, and also to reinforce the idea of things that are allowed from a post capitalist and advanced point of view.

But to discover and investigate the field of the document I have to be, live with, ask and develop the project from this point. My idea is to fall like a parachutist, that would give a new view to the context in which I Would work. A view from the context, but without a personal history, or better, with a personal history developed in the landing territory. That new view of this context wolçuld dynamize in some way, not only my experience and artistic production but also the environment in which I work and the human relationships that can caome up from the work. In other words, to carry out an investigation about the image with an anthropological meaning, looking closely, living with, compiling material, taking photographs, interviewing people and making the work; looking to where its evolution goes. Mi interest is situated in the field work and in how from an image, from a graphic, the minimal layers of the history can be rebuilt and finding in these layers the elements that compose the singularization.

The nomad is therefore a paradigm for the comprehension of the space of the city as open space and avaliable and by extension, the nomad or passer-by is also an agent with a major potential to deal with a reconsideration of the public space such as that in which nothing remains. This is at least the assumption from which we have to handle the continous pressure to regulate the nomad movements and to turn the mobility into mere instrument to channel the social relations beforehand. (9)The mobility is, in fact, a reality that allows a larger wider breadth of views compared to the tradicional notions of city and public space; but precisely because of that, the mobility is also submitted to a constant watchfulness and to a political reulation with the aim of making it come as profitable as posible. To mention only one example that insists on this double face of the mobility it is enough to become aware of how all the virtues of the nomadism that we have summarized have their flip side in the other way of interpreting this never-ending flow of everithing and everybody: the contemporary city as the place of the “diasphoric public sphere”, (10) there, where each movement, displacement or journey states the hierarchy and power relations that organize the new social mutations. We all move, but nos always with the desired rithm nor the freely chosen direction.

LOOK HOW THEY MOVE. 4 Ideas about mobility
Martí Peran
The project
The idea of the project is to make a territorial soom in order to unravel from the heart of these japanese subcultures, that singular view that we artists give to everyday things. Something very simple such as attending to an electronic games place, share a meeting, japanese food and their costumes would bring me closer to the intermediate layers of the topic of my paintings. Until now you have a cultural view of “another one” and from this perspective it is awkward for me to go forward, I think that this opportunity to live the daily situations in Japan, would give me that gift in the view that allows to develop a project of these characteristics.












PROYECTO

“PARACHUTES”

La globalización es un universalismo devaluado.

La serie en la que vengo trabajando hace casi dos años afirma una etapa de mi
investigación personal relacionada con la imagen y la mimesis. La mimesis es la imitación de la naturaleza en el arte clásico y está relacionada con la aprehensión de la realidad. Según los antiguos griegos es el principio basico para generar conocimiento.El arte clasico es el paradigma oficial de la civilización occidental, es la cima del equilibrio y la perfección matematica en la representeción exacta de la naturaleza y de los objetos, alcanzando el apogeo en la representación del cuerpo humano. Es también el triunfo del racionalismo y la inspiración, la naturaleza era imitada en forma exacta en cuanto a proporciones y medidas,sobre todo en lo q tiene q ver con la figura humana , la imagen lograda era un equivalente al original, de ahi su poder de fascinación. El artista estaba en conexión con los dioses, la inspiración divina no se contrapone a la razón sino que la complementa.La mimesis entonces, es un “acercamiento" a la realidad, en cuanto a la generación de conocimiento. Pero ya no es la naturaleza ni la “realidad” la materia prima
de donde parto, sino imagenes ya producidas por otros, es decir una mimesis devaluada como metafora del vacío de sentido y de la muerte de Dios, tal como lo vaticinó Nietzsche en el siglo diecinueve. Uno de los problemas o cuestiones planteados a través del concepto de mimesis es el de la relación entre arte y “realidad”, la disolución de lasfronteras entre los diferentes lenguajes artisticos es un intento de acercamiento o de “aprehensión” de la realidad. Un intento de escape a la representación., un intento dereintegrar la realidad fragmentada.


Trabajando a través de antagonismos.

Hace un tiempo q empezé a utilizar casi exclusivamente imagenes del manga y del anime japonés, por la seducción visual q tienen y por su carácter global y masivo, y también por percibir q estas imagenes ya manejan por si mismas un elemento recurrente en mi obra: lo antagónico entre lo sublime, lo impuro, lo bello, lo perverso. Los personajes de animé japoneses tienen una sexualidad manifiesta y mezclan la seducción de la pureza y lo virginal, representado a través de lo infantil, con un erotismo adulto. El anime, manga ,hentai, cosplay, son todas expresiones subculturales que tomo para metaforizar esos antagonismos, y además reforzar la idea de las cosas que se permiten desde una mirada
post capitalista y avanzada.

Pero para descubrir e investigar el campo del documento tengo que estar, convivir,
preguntar, y desarrollar el proyecto desde ese lugar. Mi idea es caer como un
paracaidista, que otorgaría una nueva mirada al contexto donde trabajaría. Una mirada desde el contexto, pero sin historia personal, o mejor dicho con una historia personal desarrollada en el territorio de aterrizaje. Esa nueva mirada de este contexto, dinamizaria de alguna manera, no solo mi experiencia y produccion artística, sino también el medio en el que trabaje y los vínculos humanos que surjan a partir del trabajo. Es decir, realizar una investigación acerca de la imagen con un sentido antropológico, mirando de cerca, conviviendo, recopilando material, sacando fotografías, entrevistando personas y realizando obra; viendo hacia donde va su evolución. Mi interés radica en el trabajo de campo y en como a pertir de una imagen, de una grafica, se pueden reconstruir las capas de la historia minima, y encontrar en esas capas los elementos que componen la ingularización.

El nómada es pues un paradigma para la comprensión del espacio de la ciudad como espacio abierto y disponible y, por extensión, el nómada o transeúnte es también el agente con un mayor potencial para abordar una reconsideración del espacio público como aquel en el que nada permanece. Este es al menos el supuesto desde el que ha de hacerse frente a la continua presión para regular los movimientos nómadas y para convertir la movilidad en mero instrumento para canalizar de antemano las relaciones sociales.(9)La movilidad es, en efecto, una realidad que permite una mayor amplitud de miras frente a las tradicionales nociones de ciudad y de espacio público; pero precisamente por eso, la movilidad está también sometida a una vigilancia constante y a una regulación política con el fin de convertirla en lo más rentable posible . Para mencionar un solo ejemplo que insista en esta doble cara de la movilidad basta con percatarse cómo todas las virtudes del nomadismo que hemos resumido tienen su reverso en el otro modo de interpretar este flujo incesante de todo y de todos: la ciudad contemporánea como el lugar de la “esfera pública diaspórica”,(10)allí donde cada movimiento, desplazamiento o viaje da cuenta de las jerarquías y relaciones de poder que
organizan las nuevas mutaciones sociales. Todos nos movemos, pero no siempre con el ritmo deseado ni en la dirección elegida libremente.

MIRA COMO SE MUEVEN. 4 Ideas sobre movilidad

Martí Peran

El proyecto
La idea del proyecto es lograr un zoom territorial para desentrañar desde el corazon de estas subculturas japonesas, esa mirada singular que los artistas le damos a las cosas cotidianas. Algo muy simple como concurrir a un espacio de juegos electrónicos, compartir una reunión, la comida japonesa, la juventud y sus costumbres me acercarían hasta las capas intermedias del tema de mis pinturas. Hasta ahora tienen una mirada, de "otro" cultural y desde ese lugar se me hace incómodo avanzar, pienso que esta oportunidad de acceder a las situaciones cotidianas en Japón, me otorgarían ese don en la mirada que permite desarrollar un proyecto de estas caracteristicas.